Obwohl ihre Geschichte bis in die Mitte des 17. Jahrhunderts mit dem elektrifizierten Cembalo und dem Clavecin électrique Musik-Webstuhl zurückreicht, waren die ersten elektronischen Musikinstrumente, die in Kompositionen verwendet wurden, das von Leon Theremin geschaffene Etherophone und Rhythmicon.[1] Als sich die Technologie verbessert hat, stehen die Synthesizer-Einheiten, die einst auf Musikstudios beschränkt waren, jetzt für Sie bereit, um elektronische Musik zu machen, entweder zu Hause oder als Teil einer Band. Der Prozess des Arrangierens und Aufzeichnens elektronischer Musikkompositionen wurde gleichermaßen vereinfacht und kann sowohl im laufenden Betrieb als auch in einem eigenen Musikstudio durchgeführt werden.

Teil eins von vier:
Elektronische Musikinstrument-Komponenten

  1. 1 Erstelle elektronische Musik mit einem Synthesizer. Während "synthesizer" synonym mit "electronic musical instrument" verwendet wird, ist der Synthesizer der Teil des elektronischen Instruments, das die eigentliche Musik erzeugt: die Beats, die Rhythmen und die Töne.
    • Frühe Synthesizer wie der Moog Minimoog waren in der Lage, jeweils nur einen Ton (monophon) zu erzeugen. Diese Synthesizer konnten die sekundären Töne, die andere Musikinstrumente hatten, nicht erzeugen, obwohl einige Synthesizer zwei Tonhöhen gleichzeitig erzeugen konnten, wenn zwei Tasten gedrückt wurden. Ab Mitte der 1970er Jahre stehen Synthesizer zur Verfügung, die mehrere Töne gleichzeitig (polyphon) erzeugen können, so dass Sie sowohl Akkorde als auch individuelle Noten erzeugen können.[2]
    • Die meisten frühen Synthesizer waren von den Mitteln getrennt, die zur Steuerung der von ihnen erzeugten Sounds verwendet wurden. Viele elektronische Musikinstrumente, insbesondere solche für den Heimgebrauch, verfügen jetzt über den Synthesizer, der physisch in seine Steuereinheit integriert ist.
  2. 2 Manipulieren Sie den Synthesizer mit dem Instrument Controller. Die ersten Synthesizer wurden durch Umdrehen von Schaltern, Drehen von Knöpfen oder im Fall von Theremin (was das Etherophon umbenannt wurde) gesteuert, indem die Hände des Bedieners über dem Instrument positioniert wurden. Moderne Controller kommen in musikerfreundlicheren Variationen und steuern den Synthesizer über den Musical Instrumental Digital Interface (MIDI) -Standard. Einige der Controller werden im Folgenden beschrieben:
    • Tastatur. Dies ist der am häufigsten verwendete Synthesizer-Controller. Die Größe der Tastaturen reicht von der vollen 88-Tasten-Tastatur (7 Oktaven) bei digitalen Pianos bis zu 25 Tasten (2 Oktaven) auf einer Tastatur in Spielertyp. Tastaturen für den Heimgebrauch haben typischerweise 49, 61 oder 76 Tasten (4, 5 oder 6 Oktaven). Einige Keyboards verfügen über gewichtete Tasten, um das Ansprechverhalten eines Klaviers zu simulieren, während andere über federbelastete Tasten verfügen und wieder andere Federn mit leichteren Gewichten als voll gewichtete Tasten kombinieren.[3]. Viele verfügen über eine Berührungsempfindlichkeit, bei der die Härte der Tasten (wie stark sie angeschlagen werden) die Lautstärke des erzeugten Geräusches bestimmt.
    • Mundstück / Windregler. Dieser Controller ist auf einem Windsynthesizer zu finden, einem elektronischen Instrument ähnlich einem Sopransaxophon, einer Klarinette, einer Blockflöte oder einer Trompete. Sie blasen hinein, um den Klang zu regulieren, der auf bestimmte Weise mit Daumen oder Kiefer verändert werden kann.[4]
    • MIDI-Gitarre. Dies ist eine Software, mit der Sie Ihre akustische oder elektrische Gitarre mit einem Tonabnehmer zur Steuerung eines Synthesizers verwenden können.[5][6] MIDI-Gitarren arbeiten mit dem Versuch, Saitenschwingungen in digitale Daten umzuwandeln. Es gibt oft eine Verzögerung zwischen dem Eingang und dem Ausgang aufgrund der Menge an Abtastungen, die notwendig ist, um den digitalisierten Ton zu erzeugen.[7]
    • SynthAxe: Die SynthAxe funktionierte nicht mehr, indem das Griffbrett in 6 diagonale Zonen unterteilt wurde und die Saiten als Sensoren verwendet wurden. Wie stark die Saiten gebogen wurden, bestimmt den erzeugten Ton.[8]
    • Keytar: Dieser Controller ist wie der Körper und der Hals einer Gitarre geformt, hat aber eine 3-Oktaven-Tastatur am Gitarrenkörper und andere klangmanipulierende Regler am Hals. Inspiriert von einem Instrument aus dem 18. Jahrhundert namens Orphica, bietet es den Spielern die Kontrolle über ein Keyboard und die Beweglichkeit einer Gitarre.[9]
    • Elektronische Schlagzeug-Pads: Elektronische Schlagzeug-Pads, die 1971 eingeführt wurden, sind normalerweise in Kits erhältlich, die denen von akustischen Schlagzeugen, einschließlich Becken, ähneln. Frühe Versionen spielten vorbespielte Samples, während spätere Versionen die Sounds mathematisch erzeugten. Bei Verwendung eines Kopfhörers ist es möglich, ein elektronisches Schlagzeug zu spielen, so dass nur der Spieler den Ton hört, den es erzeugt.[10]
    • Radiotrommel. Ursprünglich für die Verwendung als dreidimensionale "Maus" gedacht, spürt die Radiotrommel die Position ihrer zwei Stäbe in drei Dimensionen und variiert den Klang, der entsprechend erzeugt wird, wo auf der "Trommel" -Oberfläche sie sich berührt.[11]
    • KörperSynth. Dies war ein tragbarer Controller, der Muskelspannung und Körperbewegung nutzte, um Ton und Licht zu steuern. Es war für Tänzer und Performance-Künstler gedacht, war aber in vielen Fällen zu schwer zu kontrollieren. Einfachere Formen des BodySynth haben Handschuhe oder Schuhe als Kontrolleinheiten benutzt.[12]
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Teil 1 Quiz

Wie können Sie einen Synthesizer steuern?

Teil zwei von vier:
Elektronische Musikproduktionsausrüstung

  1. 1 Wählen Sie ein Computersystem mit ausreichender Leistung und stellen Sie sicher, dass Sie mit dem System vertraut sind. Während alleinstehende elektronische Musikinstrumente ausreichen, um elektronische Musik zu spielen, benötigen Sie ein Computersystem, wenn Sie elektronische Musik produzieren möchten.
    • Ein Desktop oder Laptop funktioniert gut zum Erstellen von Musik. Wenn Sie vorhaben, Musik an einem festen Standort zu produzieren, werden Sie wahrscheinlich einen Desktop benötigen. Wenn du Musik an verschiedenen Orten produzieren willst, zum Beispiel überall, wo deine Band probt, wirst du wahrscheinlich einen Laptop haben wollen.
    • Verwenden Sie das Betriebssystem, mit dem Sie am meisten vertraut sind. Sie sollten jedoch die neueste Version von Windows oder MacOS verwenden, auf die Sie zugreifen können.
    • Ihr System sollte über eine ausreichend starke CPU und genügend Speicher verfügen, damit Sie problemlos Musik erstellen können. Wenn Sie nicht wissen, wonach Sie suchen sollten, sollte Ihnen ein speziell für die Audio- oder Videospielnutzung entwickeltes System eine Vorstellung davon geben, nach welchen Spezifikationen gesucht werden soll.[13]
  2. 2 Koppeln Sie Ihren Computer mit guter Tonausrüstung. Mit dem Soundchip, den Sie mit Ihrem Computer und preiswerten Lautsprechern erhalten haben, können Sie perfekt elektronische Musik machen. Wenn Sie es sich jedoch leisten können, sollten Sie eines oder mehrere der folgenden Upgrades in Erwägung ziehen:
    • Soundkarte. Die Verwendung einer Soundkarte für elektronische Musik wird empfohlen, wenn Sie viele externe Aufnahmen machen möchten.[14]
    • Studio-Monitore. Dies sind keine Computermonitore, sondern Lautsprecher für Studioaufnahmen. ("Monitor" in diesem Sinne bedeutet, dass der Lautsprecher das Quell-Audio mit keiner oder minimaler Verzerrung genau wiedergibt.[15]) Zu den kostengünstigeren Qualitäts-Studiomonitoren gehören M-Audio und KRK Systems, während die hochwertigen Monitore von Focal, Genelec und Mackie stammen.[16]
    • Studio-Kopfhörer. Wenn Sie über Kopfhörer statt über Lautsprecher hören, können Sie sich besser auf einzelne Teile Ihres Liedes konzentrieren und so die Rhythmen und Lautstärkepegel verfolgen. Hersteller von Studio-Kopfhörern sind Beyerdynamic und Sennheiser.[17]
  3. 3 Installieren Sie eine gute Musiksoftware. Sie benötigen folgende Softwareanwendungen für die Erstellung elektronischer Musik:
    • Digitale Audio-Workstation (DAW). Die DAW ist die eigentliche Musiksoftware, mit der alle anderen Softwarekomponenten zusammen Musik machen können. Ihr Interface simuliert normalerweise die Mixer-, Track- und Transport-Bedienelemente von analogen Musikstudios sowie eine Wellenformanzeige des aufgezeichneten Sounds.[18] Zu den verschiedenen DAWs zählen Ableton Live, Cakewalk Sonar, Cubase, FL Studio, Logic Pro (nur MacOS), Pro Tools, Reaper und Reason. Es gibt auch Freeware-DAWs wie Ardour und Zynewave Podium.[19]
    • Audio-Editor-Programm. Ein Audio-Editor-Programm bietet mehr musikalische Editiermöglichkeiten als das in der DAW-Software, einschließlich der Möglichkeit, Samples zu bearbeiten und Ihre Komposition in MP3-Format zu konvertieren. Sound Forge Audio Studio ist ein Beispiel für einen preiswerten Audio-Editor, während Audacity eine von vielen verfügbaren Freeware-Versionen ist.
    • Virtual Studio Technology (VST) Synthesizer / Instrumente. Dies sind Softwareversionen der Synthesizer-Komponenten der elektronischen Musikinstrumente, die im vorherigen Abschnitt beschrieben wurden. Sie installieren sie als Plugins in Ihrer DAW. Viele dieser Plugins können Sie kostenlos online finden, indem Sie nach "free soft synths" (freie Softwaresynthesizer) oder "free vsti" suchen, oder Sie können VST Synthesizer von Anbietern wie Artvera, HG Fortune, IK Multimedia, Native erwerben Instrumente oder ReFX.
    • VST-Effekte. Diese Plugins bieten musikalische Effekte wie Nachhall, Chorklang, Verzögerung und andere. Sie sind von vielen der gleichen Anbieter wie VST-Synthesizer-Plugins erhältlich, entweder in kostenpflichtiger oder Freeware-Versionen.
    • Proben. Samples sind Fragmente von musikalischen Klängen, Beats und Rhythmen, mit denen Sie Ihre Kompositionen verbessern können. Sie sind normalerweise in Packs organisiert, die für ein bestimmtes Musikgenre (wie Blues, Jazz, Country, Rap oder Rock) spezifisch sind und beinhalten sowohl individuelle Sounds als auch Soundloops. Kommerzielle Musterpakete bieten ihre Proben normalerweise gebührenfrei an; Sie erwerben die Lizenz, um sie in Ihren eigenen Kompositionen zu verwenden, wenn Sie das Musterpaket kaufen. Einige Audio-Software-Unternehmen bieten Zugang zu kostenlosen Proben online, und es gibt Drittanbieter-Quellen von sowohl kostenlosen Proben und Proben, die Sie bezahlen müssen.[20]
  4. 4 Betrachten Sie einen MIDI-Controller. Obwohl Sie Musik auf Ihrem Computer mit der Tastatur als "virtuelles Klaviertastatur" und Ihrer Maus komponieren können, werden Sie es wahrscheinlich natürlicher finden, einen MIDI-Controller an Ihr System anzuschließen. Wie bei eigenständigen elektronischen Musikinstrumenten ist ein Keyboard der am häufigsten verwendete MIDI-Controller, Sie können jedoch auch alle anderen Controller-Typen verwenden, die unter "Elektronische Musikinstrument-Komponenten" beschrieben sind und von Ihrer Software unterstützt werden.
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Teil 2 Quiz

Wofür steht die DAW?

Teil drei von vier:
Bevor Sie Ihre eigene elektronische Musik machen

  1. 1 Lerne etwas Musiktheorie. Während Sie ein elektronisches Musikinstrument spielen oder Musik am Computer komponieren können, ohne Musik lesen zu können, helfen Ihnen einige Kenntnisse der musikalischen Struktur, bessere Arrangements zu treffen und Fehler in der Komposition zu erkennen, an der Sie arbeiten.
    • Einige der Musiktheorie, die Ihnen helfen können, finden Sie im wikiHow-Artikel "How to Make Music".
  2. 2 Lernen Sie die Fähigkeiten Ihres Instruments oder Ihrer Software kennen. Auch wenn Sie es bereits vor dem Kauf ausprobiert haben, experimentieren Sie mit Ihrer Ausrüstung, bevor Sie ein ernstes Projekt beginnen. Sie werden eine bessere Vorstellung davon haben, was es tun kann, und vielleicht ein paar Ideen für Projekte dazu entwickeln.
  3. 3 Machen Sie sich mit den musikalischen Genres vertraut, in denen Sie komponieren möchten. Jedes Musikgenre hat bestimmte Elemente, mit denen es verbunden ist. Der einfachste Weg, diese Elemente zu lernen, besteht darin, eine Reihe von Songs in jedem Genre zu hören, an denen Sie interessiert sind, um zu sehen, wie sie diese Elemente nutzen:
    • Schläge und Rhythmen. Rap und Hip-Hop sind bekannt für heavy, treibende Beats und Rhythmen, während Big-Band-Jazz für hüpfende, synkopierte Rhythmen bekannt ist und Country-Musik oft einen Shuffle-Beat aufweist.
    • Instrumentierung. Jazz ist bekannt für seine Verwendung von Blechbläsern (Trompete, Posaune) und Holzblasinstrumenten (Klarinette, Saxophon), während Heavy Metal für laute elektrische Gitarren, hawaiianische Musik für Stahlgitarren, Volksmusik für akustische Gitarren, Mariachi für Trompeten und Gitarren bekannt ist. und Polka für Tuba und Akkordeon. Jedoch haben viele Lieder und Künstler in einem Genre Instrumentenklänge von einem anderen Genre erfolgreich integriert, wie zum Beispiel Bob Dylan, der beim Newport Folk Festival 1965 die E-Gitarre für Volksmusik übernimmt,[21] die Verwendung von Mariachi-Trompeten, um Johnny Cashs "Ring of Fire" zu öffnen[22] oder Ian Andersons Flötenspiel als Leadmusiker für die Rockgruppe Jethro Tull.[23]
    • Songstruktur: Viele Songs mit Gesang im Radio beginnen mit einer Einleitung, gefolgt von einem Vers, dann einem Refrain, einem weiteren Vers, dem Refrain, einer Brücke (oft ein verkürzter Vers), dem Refrain und einem Closing "Outro"). Im Gegensatz dazu beginnt der Großteil der instrumentalen "Trance" -Musik, die in Tanzclubs gespielt wird, mit einer Einleitung, gefolgt von einem Melodie-Hook, der bis zu einem Punkt reicht, an dem alle Elemente des Songs zusammen gespielt werden und mit einem verblassenden Outro enden.[24]
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Teil 3 Quiz

Richtig oder falsch: Sobald Sie Ihr Instrument gekauft haben, können Sie loslegen!

Teil vier von vier:
Eigene elektronische Musik produzieren

  1. 1 Legen Sie zuerst die Beats ab. Die Beats und Rhythmen sind das Rückgrat, an dem der Rest hängt. Hier verwenden Sie die Drum-Sounds aus Ihren Sample-Packs.
  2. 2 Fügen Sie den Bassrhythmus hinzu. Als nächstes kommt der Bassrhythmus hinzu, sei es von einer Bassgitarre oder einem anderen tiefen Instrumentalklang. Achten Sie darauf, dass Ihr Bassrhythmus und der Schlagzeugschlag zusammen arbeiten, bevor Sie andere Instrumentalklänge einfügen.[25]
  3. 3 Fügen Sie zusätzliche Rhythmen hinzu, falls gewünscht. Nicht alle Lieder haben einen einzigen Rhythmus. Einige verwenden mehrere Rhythmen, wobei die zusätzlichen Rhythmen an Stellen, die die Aufmerksamkeit des Zuhörers oder in Schlüsselmomenten in der Geschichte des Liedes erwecken, in das Lied einfließen. Stellen Sie sicher, dass die zusätzlichen Rhythmen mit dem Hauptrhythmus arbeiten, um den gewünschten Effekt zu erzielen.
  4. 4 Ebene in der Melodie und Harmonie. Hier kommen Ihre VST-Instrumente ins Spiel. Sie können ihre voreingestellten Sounds verwenden oder mit ihren Steuerelementen experimentieren, um den gewünschten Sound zu finden.[26]
  5. 5 Mischen Sie die Sounds zu den gewünschten Pegeln. Sie möchten, dass die Klänge der Instrumente, die Takt, Rhythmus und Melodie spielen, zusammen funktionieren. Um dies zu erreichen, wählen Sie eine Komponente als Referenzton aus, um die anderen Komponenten anzupassen. In den meisten Fällen wird dies der Beat-Sound sein.[27]
    • In einigen Fällen suchen Sie nach einem "fetteren" (reicher) Klang anstelle eines lauteren Klangs. Dazu können Sie mehrere Instrumente an einem bestimmten Teil verwenden oder dasselbe Instrument mehrmals verwenden. Letzteres wird oft mit Gesangsaufnahmen gemacht, entweder von Backgroundsängern oder manchmal von Leadsängern.[28] So erreicht Sängerin Enya ihren Sound auf ihren Platten.
    • Vielleicht möchten Sie etwas Abwechslung bringen, indem Sie verschiedene Instrumente für verschiedene Refrains des Liedes verwenden, besonders wenn Sie versuchen, verschiedene emotionale Reaktionen von Ihren Zuhörern an verschiedenen Orten hervorzurufen. Sie können auch das Register variieren, die Tonhöhe, mit der das Lied gespielt wird, um das Lied lebendig zu halten.
    • Sie müssen nicht jede Sekunde Ihrer Komposition mit jedem verfügbaren Trick füllen. Manchmal, wie bei den Versen, können Sie die Akkordharmonien auslassen und den Beat, die Melodie und den Gesang Ihren Song tragen lassen. Zu anderen Zeiten, wie am Anfang und am Ende, möchten Sie vielleicht nur Vocals verwenden.[29]
  6. 6 Wissen Sie, was Ihre Zielgruppe erwartet. Wenn du elektronische Musik für jemand anderen als dich selbst machst, musst du die Erwartungen deines Publikums berücksichtigen, wie zum Beispiel ein Intro zu erstellen, das sie ergreift und sie den Rest des Songs hören lässt. Sie müssen jedoch nicht auf jede Laune achten; Wenn dir eine große Produktion des Refrains nicht richtig erscheint, tu es nicht.[30]
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Teil 4 Quiz

Wann solltest du Abwechslung in deine elektronische Musik bringen?